Qu'est-ce que la musique ? La musique est-elle simplement l'organisation de sons et de silences qui traversent le temps ? Ou est-ce plus que cela ? Pour le poète Victor Hugo, la musique est "le son des sentiments" Dans ce premier module, nous allons décortiquer l'affirmation apparemment simple de Hugo en nous demandant comment et pourquoi la musique suscite des émotions fortes chez des personnes de cultures différentes. Nous commencerons par examiner le fonctionnement interne de l'oreille humaine afin de déterminer comment notre cerveau traite les ondes sonores. Ensuite, nous voyagerons dans différentes parties du monde, en comparant et en opposant la musique occidentale traditionnelle et populaire aux sons de diverses régions et cultures. Vous découvrirez que c'est à la fois la culture et la physique de la musique qui déterminent pourquoi nous aimons la musique que nous aimons ! Ensuite, nous serons prêts à examiner les éléments de base de la composition musicale : le rythme, la mélodie, la texture, etc. Nous apprendrons également comment les compositeurs classiques ont utilisé ces éléments dans certaines de leurs œuvres les plus célèbres et comment les artistes modernes les utilisent encore aujourd'hui. Enfin, nous verrons comment les éléments de la composition musicale ont évolué au fil du temps et comment ils ont été traduits en un langage universel apprécié et compris par des millions de personnes.

Vous êtes-vous déjà demandé ce qui permet à la musique d'avoir un son tantôt riche et luxueux, tantôt étrange et mystérieux ? Eh bien, vous avez de la chance, car dans ce module, nous allons explorer la nature des sons et des textures simultanés. Nous commencerons par étudier les accords, et plus particulièrement la façon dont les trois types de triades - tonique, dominante, sous-dominante - constituent une base sur laquelle une mélodie peut être construite. Une fois que nous aurons compris les règles de la syntaxe musicale, nous serons prêts à apprendre les progressions musicales, y compris les trois types de cadences, ainsi que les triades majeures et mineures et leur fonctionnement. Ensuite, nous apprendrons à entendre la basse et à nous concentrer sur l'harmonie d'une chanson. Enfin, je vous parlerai des quatre familles d'instruments de musique - les cuivres, les percussions, les cordes et les bois - et des différentes textures, formes et styles musicaux qu'ils peuvent créer. C'est passionnant !

Nous couvrirons mille ans d'évolution musicale au cours des conférences de ce module ! Nous commencerons par le Moyen-Âge, avec ses chants fonctionnels et sa musique de danse, puis nous passerons à la période de la Renaissance et terminerons en écoutant les mélodies ornées de l'opéra que l'on entend au début de la période baroque. À partir de là, vous commencerez à voir comment les progrès de la notation musicale ont permis aux compositions de devenir à la fois plus spécifiques et plus complexes. En cours de route, nous mettrons en lumière certains de ces inventeurs et innovateurs musicaux, tels que Hildegard de Bingen et Johann Pachelbel. Nous aurons également l'occasion unique de voir (et dans certains cas d'entendre) de nombreux instruments qui étaient populaires au cours de ces différentes périodes. Ce sera un vrai régal, rendu possible grâce à l'aide de Grant Herreid, instructeur à Yale. Nous lui adressons tous nos remerciements !

Les romanciers, les poètes, les peintres, les mathématiciens et même les géologues parlent de structure "fuguée" dans leurs médias et leurs disciplines. Mais qu'est-ce qu'une fugue et comment en sommes-nous arrivés là ? Pour le savoir, nous pénétrons dans l'univers de la musique baroque et du célèbre maître de la fugue, Jean-Sébastien Bach. Tout d'abord, nous aurons l'occasion de "vivre" à l'époque baroque en jetant un regard détaillé sur la vie, la carrière et même la maison de Bach : nous découvrirons où et comment Bach et sa famille vivaient, nous discuterons de la musique de Bach et des techniques de la musique baroque dans son ensemble. Ensuite, la musique de Bach sera comparée et opposée à celle de son exact contemporain et compatriote allemand, George Frideric Handel. On pourrait dire que Bach était un idéaliste et Haendel un réaliste en matière de musique, et nous examinerons donc comment ces traits de personnalité ont influencé le style musical de chaque compositeur. Enfin, nous terminerons le module par une introduction à la musique de la période classique, et qui de mieux que l'inimitable Wolfgang Amadeus Mozart pour ouvrir la voie ?

Croiriez-vous qu'il fut un temps où les compositions musicales étaient considérées comme des divertissements jetables, à usage unique ? Pouvez-vous imaginer un orchestre tentant d'interpréter un beau morceau au milieu des bruits de la clientèle d'un casino ? Que diriez-vous d'un violon étouffé par les aboiements d'un chien à l'extérieur d'un café ? Telle était la réalité avant le tournant du 18e siècle. Ce n'est que vers 1800 que les gens ont commencé à apprécier les compositions musicales, comme ils le font aujourd'hui. C'est à cette époque que l'on commence à voir de grandes salles de concert créées spécifiquement pour écouter des concerts. Peu de temps après, la musique a été considérée comme quelque chose d'élevé et d'étudié, en d'autres termes, elle est devenue un "grand art" Cette semaine, nous commencerons par écouter de la musique de Haydn et de Mozart, afin de nous familiariser, pour ainsi dire, avec la forme musicale. Nous verrons également où et comment ils ont vécu, nous comparerons la façon dont ils ont écrit et interprété leur musique, et nous verrons même certains des instruments exacts sur lesquels ils jouaient il y a tant d'années.Nous passerons la dernière partie du module à mettre en lumière deux personnages qui se trouvent au cœur même de la musique occidentale.Le premier est Mozart, un innovateur bien habillé, sûr de lui, excentrique et toujours aussi brillant. Nous explorerons sa musique à travers trois chefs-d'œuvre artistiques : un concerto pour piano, un opéra et la messe de Requiem... Nous nous pencherons sur les caractéristiques uniques de la musique qui en font l'étalon-or de toute la musique pour les siècles à venir. Le point culminant (ou le point le plus bas) sera peut-être atteint lorsque votre professeur sera assassiné sur scène par l'impitoyable Don Giovanni... Nous passerons ensuite à Beethoven, un génie passionné, conflictuel et souvent échevelé. Son apparence physique pourrait bien avoir servi de prototype au stéréotype du "barde en difficulté" ou du "génie torturé" Nous étudierons quelques-unes de ses sonates les plus célèbres, dont la Sonate au clair de lune, puis nous irons au-delà de sa musique pour explorer sa vie personnelle, notamment sa lutte contre la surdité et la dépression.

Si l'on pouvait mettre une bande sonore sur la Révolution française, elle contiendrait certainement de la musique de la période "héroïque" de Beethoven, au cours de laquelle il a "apporté le son aux symphonies" Nous verrons comment l'incorporation de nouveaux instruments par Beethoven, ainsi que la création d'un grand orchestre, ont rendu ses symphonies beaucoup plus bruyantes et "sonores" que celles de ses prédécesseurs. Nous nous attacherons ici à comparer la musique de la période "héroïque" de Beethoven, représentée par sa Symphonie n° 5, avec celle de sa période "tardive", incarnée par sa célèbre Ode à la joie. Nous nous pencherons également sur l'homme Beethoven, tel qu'il ressort des récits de sources primaires sur sa vie à l'époque. Ces récits brossent le portrait d'un Beethoven échevelé, à l'allure sauvage, qui vivait dans la saleté et le désordre et qui était dévoré par son travail. La question ultime est la suivante : de quelle manière sa vie d'isolement et son handicap auditif ont-ils pu affecter la nature (le style) de la grande musique qu'il a créée ? Alors que nous disons aufwiedersehen à Beethoven, nous passons au romantisme musical à part entière. La musique romantique, comme d'ailleurs tout l'art romantique, était connue pour sa vision idéaliste de l'amour et de la nature. Le romantisme musical, qui s'étend en gros de 1820 à 1900, a vu une évolution du style musical ainsi qu'un changement de lieu pour les représentations musicales. Outre l'aristocratie et ses palais royaux, une forte classe moyenne s'est développée en Europe au cours de cette période. Avec la musique de l'éternel lyrique Franz Schubert, nous entrerons dans le salon d'une maison de la classe moyenne supérieure pour découvrir sa musique de chambre et ses chansons. Nous terminerons le module en posant la question suivante : Comment utilisons-nous les sons musicaux pour communiquer ? Un examen de la musique à programme (musique instrumentale qui utilise des gestes musicaux pour raconter une histoire) nous aidera à répondre à cette question. Après un rapide examen auditif du fonctionnement de la musique à programme (nous suivrons Vivaldi un jour de printemps), nous regarderons Hector Berlioz aller au diable. Plus exactement, nous suivrons la séquence de gestes musicaux qu'il emploie pour recréer un conte fantastique de poursuite, de destruction et de damnation. Après avoir appris notre leçon, nous terminerons en nous amusant à essayer de faire correspondre des thèmes extraits de diverses symphonies aux images mentales que le compositeur avait à l'esprit. Parlez-vous couramment le langage de la musique à programme ? Rejoignez-nous pour le savoir !

Le module 8 commencera par une visite de l'extraordinaire collection de claviers de Yale, peut-être la plus belle au monde. Nous verrons des instruments en état de marche de toutes les formes et de toutes les tailles, dont certains remontent à l'époque de Mozart et même avant ! Nous apprendrons les marques et les styles préférés de certains des meilleurs pianistes de tous les temps, Haydn, Beethoven, Liszt, Chopin et Schubert, pour n'en citer que quelques-uns. Nous aurons même l'occasion d'entendre certains de ces instruments joués par Robert Blocker, éducateur musical et pianiste de concert. Ses interprétations nous aideront à comprendre comment les progrès technologiques ont modifié le son et les capacités des pianos à cette époque. La prochaine session de ce module porte sur un sujet plutôt polémique : L'opéra. Nombreux sont ceux qui trouvent l'opéra trop artificiel, trop long et parfois tout simplement ennuyeux ; d'autres n'apprécient rien de plus que cette forme d'art glamour. Nous allons passer un peu de temps à défendre le pouvoir et la beauté, voire la magie, de l'opéra. Peut-être parviendrons-nous à persuader certains opposants en cours de route. Comme il est impossible d'aborder tout l'opéra romantique en une heure, nous nous concentrerons sur les chefs-d'œuvre de Verdi et les drames musicaux révolutionnaires de Wagner. Wagner, qui est peut-être la seule personnalité que l'on puisse raisonnablement comparer à Beethoven en termes d'originalité et d'innovation musicales, a changé le visage de la musique du XIXe siècle. Nous explorerons Wagner en analysant brièvement son cycle de l'anneau. Ce cycle innovant de livrets, basé sur la mythologie nordique, contient certaines des musiques les plus emblématiques et les plus reconnaissables de l'époque. L'utilisation par Wagner de "leitmotivs" a permis de raconter des histoires détaillées, la musique transmettant même les pensées subconscientes des chanteurs sur scène, un exploit véritablement révolutionnaire. Son œuvre a ensuite inspiré des écrivains et des cinéastes tels que Tolkien, Lewis, Lucas et Martin, sans parler d'innombrables compositeurs. Dans la dernière leçon de ce module, nous élargirons notre champ d'action pour examiner l'orchestre dans son ensemble pendant la période romantique. Soixante ans seulement après que Mozart eut dirigé son orchestre de trente-cinq musiciens, il n'était pas rare de voir Wagner et Mahler diriger des ensembles de plus de cent musiciens. Outre l'augmentation du nombre de musiciens, les instruments eux-mêmes ont changé. Les progrès technologiques ont transformé des instruments auparavant unidimensionnels, comme le cor d'harmonie, en outils polyvalents, capables de projeter une mélodie entièrement chromatique. Cette nouvelle polyvalence a permis à des compositeurs comme Brahms et Mahler d'expérimenter et de redéfinir à jamais l'instrumentation orchestrale.

Lorsque vous évoquez l'impressionnisme, vous pensez probablement à la peinture, notamment aux magnifiques toiles de Claude Monet. Mais le style émotionnel évocateur et non réaliste de l'impressionnisme s'est répandu dans tous les aspects de l'art. En musique, c'est un autre Claude, Debussy cette fois, qui a incarné le mouvement impressionniste. Après avoir découvert la vie parfois scandaleuse de certains compositeurs célèbres, vous serez peut-être choqué d'apprendre que Debussy a mené une existence plutôt banale, sans dépression, ni psychose, ni tragédie familiale à proprement parler. Mais d'une vie ordinaire peut naître une musique extraordinaire ! Nous examinerons trois pièces, l'une du début, du milieu et de la fin de sa carrière, pour voir comment le style de Debussy s'est éloigné du romantisme, plus orienté vers les objectifs, pour se rapprocher du style "vivre dans l'instant" qui a défini l'impressionnisme. Après une brève leçon de guitare donnée avec l'aide du talentueux Solomon Silber, nous passerons à la période moderniste. Comme chacun le sait, le style musical est en constante évolution. Parfois, le changement est subtil, comme le passage de la musique classique à la musique romantique. À d'autres moments, cependant, le changement s'abat comme un tsunami sur les traditions antérieures. C'est ce que nous vivons lorsque nous abordons les sonorités vivifiantes du modernisme. Au début du XXe siècle, des compositeurs tels qu'Igor Stravinsky et Arnold Schoenberg ont abandonné la mélodie et la gamme traditionnelles. Le public n'a pas toujours été très réceptif à ce changement. Nous écouterons des extraits de la musique qui a suscité l'hostilité du public et nous discuterons de ce qui semble rendre cette musique si inaccessible, voire carrément désagréable, pour la plupart des auditeurs.Nous terminerons cette semaine, et notre cours, par le postmodernisme et le minimalisme. Nous verrons comment des compositeurs comme Aaron Copland ont remis la musique orchestrale à la portée du public en la réduisant à ses termes les plus élémentaires. Nous verrons ensuite comment des artistes tels que Philip Glass et John Adams se sont emparés de cette idée pour composer des mouvements captivants, proches de la transe, autour des idées les plus simples.